Le deuxième axe est l'abjection. Ce concept, emprunté à Julia Kristeva, désigne nos sentiments contradictoires face à ce qui franchit les frontières, provoque le dégoût tout en étant impossible à évacuer totalement (cadavres, putréfaction, fluides corporels). L'esthétique de l'abjection utilise souvent le réflexe physiologique comme moyen, poussant le spectateur à se demander pourquoi nous rejetons avec une telle force certains éléments inhérents à la vie. Sa puissance réside dans la révélation de cette ambiguïté : ce que nous détestons est souvent une projection de nous-mêmes, car chacun est voué à vieillir, à tomber malade et à saigner. Les figures déformées et hurlantes de Francis Bacon fonctionnent sur ce même registre. La touche de Saville possède cette texture ; ses larges coups de pinceau et ses racloirs étalent la peinture sur les visages comme si elle incisait la peau, une violence qui rappelle Willem de Kooning. Les yeux dans l'une de ses œuvres m'ont immédiatement fait penser à Picasso, une influence qu'elle revendique d'ailleurs.

Le troisième axe est la grammaire expressive de l'extase et de la souffrance. La statue de sainte Thérèse par Le Bernin décrit l'expérience de l'extase mystique : dans ses propres récits, Thérèse raconte comment la lance dorée de l'ange transperçait son cœur et ses entrailles, une douleur si intense qu'elle en gémissait, mais dont la douceur était si extraordinaire qu'elle ne pouvait souhaiter s'en libérer. Saville transpose cette grammaire sur le corps contemporain : bouches ouvertes, yeux révulsés, têtes inclinées ou renversées, tout se situe dans la zone trouble entre douleur et plaisir, où le spectateur perçoit simultanément la crispation de la souffrance et le relâchement de la jouissance. Les ecchymoses, les marques de pression, les rougeurs sanguines et la graisse comprimée sur la peau s'approprient les stigmates des icônes de la Passion. La perspective en très gros plan, monumentale et en contre-plongée, place le spectateur à une distance charnelle de l'image ; l'empâtement, le raclage et les éclaboussures créent une tactilité douloureuse, la peinture devenant plaie ou cicatrice, faisant de l'acte de regarder un exercice de martyre. L'une de ses œuvres provient d'une photographie médicale d'une femme portant une tache de vin sur le visage, tandis qu'une autre s'inspire de la *Déposition de croix* en marbre de Michel-Ange à Florence, montrant sur la toile un enchevêtrement de corps dans une étreinte multicouche.

Puis, elle a eu des enfants.

Une nouvelle tendresse est apparue dans cette série. Elle a elle-même réfléchi à ce changement, trouvant intéressant de créer des peintures et des dessins empreints de beauté et de douceur. Son inspiration puise dans les sculptures anciennes de la fertilité, chez Rembrandt, dans les scènes de Nativité de Michel-Ange, mais aussi dans son amour pour son bébé et son expérience physique des gestes maternels. Le dessin lui permet de créer des lignes dynamiques suggérant le mouvement du corps, tout en offrant une méthode de stratification, incrustant la mémoire dans le papier et la toile. À ce stade, le thème de l'odalisque, transmis d'Ingres à Matisse et Picasso, réapparaît, mais cette fois-ci sous l'angle du plaisir féminin.

Dans ses œuvres, le corps féminin regarde en retour, résiste et se raconte. Elle révèle comment la graisse, les ecchymoses et la laideur, ces caractéristiques jugées abjectes, peuvent devenir une esthétique puissante. Elle prolonge et sécularise la grammaire expressive de l'extase et de la souffrance issue de l'art religieux, permettant à la douleur et au plaisir, à la mort et au désir, de se transformer mutuellement sur un même visage. Devenue mère, elle est passée d'une critique virulente à la représentation de l'attachement et de la tendresse, faisant en sorte que la politique du corps féminin ne se limite plus à la résistance, mais intègre également l'endurance et le soin.

Elle ne profane donc pas les icônes, elle révèle que celles-ci portent en elles, depuis l'origine, une énergie érotique et douloureuse. Elle ne célèbre pas non plus les saintes, elle dépeint honnêtement la réalité complexe de la féminité et de la maternité. Son travail nous rappelle que la chair est en soi une vérité, où douleur et plaisir, sacré et profane s'entremêlent.