Lubaina Himid (Pavillon britannique)

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Greene Naftali, Hollybush Gardens

Lubaina Himid est une artiste, commissaire d'exposition et activiste culturelle très importante de l'art contemporain britannique. Lauréate du prix Turner, elle s'intéresse depuis longtemps aux questions de la subjectivité noire, de l'histoire britannique, de l'héritage colonial et de la visibilité. Cette année, elle représente le pavillon britannique, continuant à soulever des questions sur l'histoire, le regard et l'identité nationale à travers la peinture et l'espace.

Ses œuvres sont clairement picturales, aux couleurs vives et aux personnages très reconnaissables. Himid s'est longtemps battue pour la visibilité des artistes noirs au sein du système artistique britannique, et elle continue de s'interroger : qui est retenu par l'histoire ? Qui est représenté ? Qui peut avoir une vie intérieure propre ? Pour les collectionneurs, c'est une artiste qui allie une position historique forte à une grande qualité esthétique.

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Nick Cave (Arsenal)

Jack Shainman Gallery

Les Soundsuits de Nick Cave sont des œuvres d'art contemporain extrêmement reconnaissables. Ces créations se situent entre le vêtement, la sculpture, l'accessoire de performance et l'armure corporelle, souvent composées de paillettes, de perles, de fibres, d'objets trouvés et de divers matériaux décoratifs. Elles paraissent somptueuses, mais derrière cette opulence se cachent les expériences de violence et d'autoprotection des corps noirs dans la société américaine.

Les œuvres de Cave sont toujours très accrocheuses, que ce soit lors de biennales ou de foires, car elles sont d'une beauté saisissante. Au-delà du spectacle, elles abordent simultanément l'existence, la race, la performativité, la protection et la riposte. Pour les collectionneurs, ses œuvres sont un exemple clair que "Beauty is not only skin deep" (la beauté n'est pas que superficielle) : la splendeur ornementale peut aussi être une forme de défense profonde, une protestation, une manière pour l'individu de retrouver son pouvoir.

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Sara Flores (Pavillon du Pérou)

White Cube, CLEARING

Sara Flores est la première artiste autochtone à représenter le Pérou à la Biennale de Venise. Ses œuvres utilisent le langage visuel kené, transmis de génération en génération par les femmes Shipibo-Konibo, pour peindre des motifs géométriques complexes sur du coton avec des pigments naturels.

D'une part, ses œuvres possèdent un ordre visuel fort et une grande attractivité graphique ; d'autre part, le kené est lié au corps, à la nature, à la spiritualité et aux traditions de guérison, et il interroge également la manière dont les savoirs autochtones s'intègrent au système de l'art contemporain.

Pour les collectionneurs, les œuvres de Sara Flores offrent une excellente porte d'entrée : au-delà de leur appréciation esthétique et émotionnelle, elles nous guident vers le contexte spirituel qui les sous-tend.

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Nicholas Hlobo (Arsenal)

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Lehmann Maupin, Stevenson

Les œuvres de Nicholas Hlobo utilisent souvent des matériaux comme le cuir, le caoutchouc, le ruban, le bois et le métal. Par la couture, la découpe, la perforation, l'étirement et l'assemblage, il crée des pièces qui se situent entre la sculpture, le corps humain, la blessure et le vêtement. Ainsi, bien qu'elles puissent paraître un peu BDSM au premier abord, elles dégagent une fascination terrifiante et irrésistible.

Ses œuvres possèdent une matérialité très prononcée. Nul besoin de lire de longs textes ; en se tenant devant elles, on ressent immédiatement cette corporalité : la douceur et la violence, la suture et la déchirure, le genre et le désir, le langage et l'identité, tout est inscrit dans les matériaux. Pour les collectionneurs, les œuvres de Hlobo dégagent une force très claire, car derrière ces objets sculpturaux se cachent la mémoire corporelle et la politique du genre.

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Billie Zangewa (Section Jardin)

Lehmann Maupin, Galerie Templon

Billie Zangewa est connue pour ses collages en soie, où elle dépeint souvent le quotidien des femmes, l'espace domestique, l'intimité et le soin de soi. Ses œuvres sont douces et lumineuses, ce qui les rend très agréables à regarder.

Cependant, l'importance de Zangewa réside dans le fait qu'elle replace le quotidien des femmes au centre de la contemplation artistique. La cuisine, le lit, la maternité, les tâches ménagères, le repos, les moments intimes – ces sujets souvent jugés « pas assez grandioses » – deviennent, dans ses œuvres en soie, des scènes dignes et éclatantes. Pour les collectionneurs, ses œuvres sont très captivantes et conviennent parfaitement à ceux qui s'intéressent à l'art féminin, aux médiums textiles et à la politique du quotidien.

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Dana Awartani (Pavillon de l'Arabie Saoudite)

Lisson Gallery, Sfeir-Semler Gallery

Les œuvres de Dana Awartani, qui combinent géométrie islamique, mémoire architecturale, techniques artisanales, destruction et réparation, sont d'une grande poésie. Partant de l'artisanat traditionnel et de l'ordre géométrique, elle explore comment le patrimoine culturel est détruit par la guerre, la modernisation et la violence politique, et comment il peut être réparé.

Ses œuvres possèdent une beauté formelle indéniable, une grande sensibilité aux matériaux et des traces de travail manuel. À travers ces motifs géométriques élégants, Awartani nous propose une réflexion sur la réparation : lorsqu'un espace culturel est détruit, l'art peut-il non seulement préserver la mémoire, mais aussi devenir une méthode de reconstruction ? Pour les collectionneurs, ses œuvres offrent une direction de collection qui se situe entre la beauté, l'artisanat, l'architecture et les traumatismes historiques.

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À qui s'adresse ce groupe d'artistes ?
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Ce type d'artistes, je le recommanderais aux collectionneurs qui souhaitent trouver un équilibre entre « reconnaissance académique, soutien des galeries, attrait des œuvres et stabilité du marché ».

La plupart d'entre eux ne sont pas des artistes émergents qui viennent de débuter, mais ont déjà un parcours établi à la Biennale de Venise, dans des expositions muséales, des institutions importantes ou de grands systèmes de galeries. En d'autres termes, leur valeur est déjà étayée par un historique d'expositions, un contexte d'histoire de l'art et des ressources de galeries.

Cela ne signifie pas que les prix des œuvres ne fluctuent pas, mais comparé aux artistes dont la notoriété est uniquement alimentée par des buzz éphémères, la structure du marché pour ce type d'artistes est généralement plus établie. Les prix peuvent être élevés, mais ils ne sont pas gonflés sans fondement ; pour les collectionneurs qui souhaitent se lancer dans la collection d'art contemporain tout en réduisant l'incertitude excessive, c'est un choix relativement équilibré.

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Le deuxième type d'artistes est également soutenu par de grandes galeries internationales ou des systèmes de galeries établis, mais ils abordent des thèmes tels que les archives, le système muséal, la mémoire de la guerre, les traumatismes coloniaux, la critique institutionnelle, etc. Ils conviennent aux collectionneurs intéressés par l'acquisition d'une position intellectuelle.

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