루바이나 히미드 (영국관)

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그린 나프탈리, 홀리부시 가든스

루바이나 히미드(Lubaina Himid)는 영국 현대 미술에서 매우 중요한 예술가이자 큐레이터, 문화 활동가입니다. 터너상 수상자인 그녀는 오랫동안 흑인 주체성, 영국 역사, 식민 유산 및 가시성 문제에 관심을 가져왔습니다. 올해 그녀는 영국관을 대표하여 회화와 공간을 통해 역사, 시선, 국가 정체성에 대한 질문을 계속해서 던지고 있습니다.

그녀의 작품은 회화성이 뚜렷하고 색채가 선명하며 인물 형상 또한 매우 독특합니다. 히미드는 오랫동안 영국 예술계에서 흑인 예술가들의 가시성을 높이는 데 힘썼으며, 누가 역사에 기억되고, 누가 그림 속에 담기며, 누가 자신만의 내면세계를 가질 수 있는지에 대해 끊임없이 질문합니다. 수집가들에게 그녀는 역사적 위치와 작품의 미학적 가치를 모두 갖춘 예술가입니다.

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닉 케이브 (Nick Cave) (아르세날레 전시 구역)

잭 셰인먼 갤러리

닉 케이브(Nick Cave)의 사운드슈트(Soundsuits)는 현대 미술에서 매우 독특한 작품입니다. 이 작품들은 의상, 조각, 공연 소품, 신체 갑옷의 경계에 있으며, 종종 스팽글, 구슬, 섬유, 기성품 및 다양한 장식 재료로 구성됩니다. 화려해 보이지만, 그 화려함 뒤에는 미국 사회에서 흑인 신체가 겪는 폭력적인 경험과 자기 보호가 연결되어 있습니다.

케이브의 작품은 비엔날레나 박람회 현장 어디에서든 시선을 사로잡는 존재입니다. 너무나 아름다워서 경이로움 속에서 존재, 인종, 퍼포먼스, 보호, 반격을 동시에 담아냅니다. 수집가들에게 그의 작품은 'Beauty is not only skin deep'이라는 명확한 예시를 보여줍니다. 아름다운 장식은 깊이 있는 방어이자 저항이며, 개인이 다시 힘을 얻는 방법이 될 수 있습니다.

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사라 플로레스 (Sara Flores) (페루관)

화이트 큐브, 클리어링

사라 플로레스(Sara Flores)는 페루를 대표하여 베니스 비엔날레에 참가한 최초의 원주민 예술가입니다. 그녀의 작품은 시피보-코니보(Shipibo-Konibo) 여성들이 대대로 전승해 온 케네(kené) 시각 언어를 사용하여 천연 안료로 면직물에 복잡한 기하학적 문양을 그립니다.

그녀의 작품은 한편으로는 강렬한 시각적 질서와 이미지의 매력을 지니고 있으며, 다른 한편으로는 케네(kené)가 신체, 자연, 정신성, 치유 전통과 관련되어 있고, 원주민 지식이 현대 미술 시스템에 어떻게 편입되는지와도 연결됩니다.

수집가들에게 사라 플로레스의 작품은 훌륭한 입구를 제공합니다. 작품을 감상하고 느끼는 것을 넘어, 그 이면에 있는 정신적 맥락으로 우리를 이끌어 줍니다.

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니콜라스 흘로보 (Nicholas Hlobo) (아르세날레 전시 구역)

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레만 모핀, 스티븐슨

니콜라스 흘로보(Nicholas Hlobo)의 작품은 가죽, 고무, 리본, 나무, 금속 등의 재료를 자주 사용하며, 꿰매고, 자르고, 구멍을 뚫고, 당기고, 조립하는 과정을 통해 조각, 인체, 상처, 의상 사이의 경계에 있는 작품을 만들어냅니다. 그래서 처음에는 다소 BDSM처럼 보일 수 있지만, 거부할 수 없는 섬뜩한 매력을 지니고 있습니다.

그의 작품은 매우 뚜렷한 물성을 지닙니다. 많은 글을 미리 읽을 필요 없이, 작품 앞에 서는 것만으로도 부드러움과 폭력, 봉합과 파열, 성별과 욕망, 언어와 정체성 등 재료 속에 담긴 신체적 감각을 느낄 수 있습니다. 수집가들에게 흘로보의 작품은 명확한 힘을 가지고 있습니다. 이러한 조각 오브제들 뒤에는 신체적 기억과 젠더 정치가 숨겨져 있기 때문입니다.

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빌리 장게와 (가든 전시 구역)

레만 모핀, 갤러리 템플론

빌리 장게와는 실크 콜라주로 유명하며, 여성의 일상, 가정 공간, 친밀한 관계, 자기 돌봄을 자주 묘사합니다. 그녀의 작품은 부드럽고 밝아 보는 이에게 즐거움을 선사합니다.

그러나 장게와의 중요한 점은 그녀가 여성의 일상생활을 예술적 관찰의 중심으로 되돌려 놓았다는 것입니다. 주방, 침대, 모성, 가사, 휴식, 친밀한 순간 등 흔히 '대단치 않다'고 여겨지는 주제들이 그녀의 실크 작품 속에서는 품위 있고 빛나는 장면으로 변모합니다. 수집가들에게 그녀의 작품은 매우 매력적이며, 여성 예술, 섬유 매체, 일상 정치에 관심 있는 사람들에게도 매우 적합합니다.

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다나 아와르타니 (사우디아라비아관)

리슨 갤러리, 스페어-셈러 갤러리

다나 아와르타니의 작품은 이슬람 기하학, 건축적 기억, 수공예 기술, 파괴와 복원을 결합하여 지극히 시적입니다. 전통 공예와 기하학적 질서에서 출발하여, 그녀는 문화유산이 전쟁, 현대화, 정치적 폭력 속에서 어떻게 파괴되고 또 어떻게 다시 복원될 수 있는지 고찰합니다.

그녀의 작품은 부정할 수 없는 형식미, 재료감, 수공예의 흔적을 지니고 있습니다. 그 아름다운 기하학적 패턴을 통해 아와르타니는 우리에게 복원의 제안을 건넵니다. 문화 공간이 파괴된 후, 예술이 단순히 기억을 보존하는 것을 넘어 어떤 재봉합의 방법이 될 수 있을까요? 수집가들에게 그녀의 작품은 미학, 공예, 건축, 역사적 트라우마 사이의 수집 방향을 제시합니다.

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이 예술가 그룹, 누구에게 추천할까요?
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이러한 유형의 예술가는 '학술적 뒷받침, 갤러리 지원, 작품의 매력, 시장 안정성' 사이에서 균형을 찾고자 하는 수집가들에게 추천합니다.

이들은 대부분 막 데뷔한 신진 예술가가 아니라, 이미 베니스 비엔날레, 미술관 전시, 주요 기관 또는 대형 갤러리 시스템에서 경력을 쌓은 예술가들입니다. 다시 말해, 그들의 가치는 이미 전시 이력, 미술사적 맥락, 갤러리 자원으로 뒷받침되고 있습니다.

이는 작품 가격에 변동이 없다는 의미는 아니지만, 단기적인 화제성으로만 움직이는 예술가들에 비해 이러한 유형의 예술가들은 시장 구조가 비교적 잘 형성되어 있습니다. 가격이 낮지는 않을 수 있지만, 근거 없이 과도하게 부풀려지지도 않습니다. 현대 미술 수집에 입문하고 싶지만 과도한 불확실성을 줄이고자 하는 수집가들에게는 상대적으로 균형 잡힌 선택입니다.

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두 번째 유형의 예술가들은 마찬가지로 대형 국제 갤러리나 성숙한 갤러리 시스템의 지원을 받지만, 아카이브, 박물관 제도, 전쟁 기억, 식민지 트라우마, 기관 비판 등과 같은 주제를 다룹니다. 이는 특정 사상적 입장을 수집하는 데 관심 있는 수집가들에게 적합합니다.

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