
從威尼斯雙年展到 Art Basel(1/4)
第一類藝術家:藍籌畫廊 × 物件/畫面導向
如果要從今年威尼斯雙年展延伸到正要火熱開場的 Art Basel Basel 來看,我先注意到了第一類藝術家:他們不但以觀念在本屆In Miner Key的策展脈絡裡成立,同時也能把這些觀念轉化成有明確形體和視覺吸引力的作品。也就是說,他們在威尼斯提出問題,也可能出現在巴塞爾這種市場現場。
這一組可說是威尼斯與巴塞爾之間最「市場友善」的主力名單。
Wangechi Mutu(軍械庫)
畫廊:Gladstone Gallery、Victoria Miro
Wangechi Mutu 的作品結合雕塑、拼貼,以黑人女性身體與非洲離散經驗,創造出一種帶有神話性、植物性、水性與女性力量的宇宙。
今年她受邀於威尼斯雙年展主展,在花園與軍械庫區域帶來大型場域特定裝置。如果感興趣黑人女性藝術、非洲離散敘事,或對身體與自然之間關係感興趣的藏家來說,她是一位非常重要的藝術家。
Torkwase Dyson(軍械庫)
Pace Gallery
Torkwase Dyson 的作品表面上看起來接近抽象藝術,但她處理的議題太有趣了,是透過透過大型抽象繪畫、雕塑與空間裝置,思考身體如何在不同權力結構中移動、受限、逃離或重新找到方向。
她的作品我認為無論是成熟收藏家或新手的收藏家,都可以找到趣味點。因為它們不是用直接圖像敘事來說故事,而是把歷史、身體與空間壓縮成一種非常有力量的抽象形式。
對喜歡抽象藝術,但又希望抽象不只是形式美,而是帶有歷史與政治意涵的藏家來說,Dyson 是很值得關注的藝術家。

Lubaina Himid(英國館)
Greene Naftali、Hollybush Gardens
Lubaina Himid 是英國當代藝術中非常重要的藝術家、策展人與文化行動者。透納獎得主,她長期關注黑人主體、英國歷史、殖民遺產與可見性問題。今年她代表英國館,繼續以繪畫與空間提出關於歷史、觀看與國家身份的問題。
她的作品繪畫性明確,色彩鮮明,人物形象也很有辨識度。Himid 長期在英國藝術體制中推動黑人藝術家被看見,也持續思考:誰被歷史記住?誰被放進畫面?誰可以擁有自己的內在生活?對收藏家來說,她是兼具歷史位置與作品美感高度的藝術家。
Nick Cave(軍械庫展區)
Jack Shainman Gallery
Nick Cave 的 Soundsuits 是當代藝術裡超有辨識度的藝術家。這些作品介於服裝、雕塑、表演道具與身體盔甲之間,常以亮片、珠飾、纖維、現成物與各種裝飾材料構成。它們看起來華麗,但華麗背後連著的是黑人身體在美國社會中的暴力經驗與自我保護。
Cave 的作品無論是在雙年展或是博覽會現場都是很吸睛的存在,因為實在很美,在奇觀之中同時將存在、種族、表演性、保護與反擊放在一起。對收藏家來說,他的作品是很清楚的例子:Beauty is not only skin deep,裝飾的漂亮也可以是一種深度的防衛、一種抗議、一種讓個體重新取得力量的方法。
Sara Flores(秘魯館)
White Cube、CLEARING
Sara Flores 是第一位代表秘魯參加威尼斯雙年展的原住民藝術家。她的作品使用 Shipibo-Konibo 女性世代相傳的 kené 視覺語言,以天然顏料在棉布上畫出複雜的幾何圖案。
她的作品一方面有很強的視覺秩序與圖像吸引力,另一方面,kené 與身體、自然、精神性和療癒傳統相關,也與原住民知識如何進入當代藝術系統有關。
對收藏家來說,Sara Flores 的作品提供了一個很好的入口:它們在被欣賞和感受之餘,也能引領我們進入背後的精神脈絡。

Nicholas Hlobo(軍械庫展區)
Lehmann Maupin、Stevenson
Nicholas Hlobo 的作品常使用皮革、橡膠、緞帶、木頭、金屬等材料,透過縫合、切割、穿孔、拉扯與組裝,創造出介於雕塑、人體、傷口與服飾之間的作品。所以雖然一開始看起來有點BDSM,但又有種不能抗拒的恐怖魅力。
他的作品有非常明顯的物件性。你不需要先讀很多文字,站在作品前就能感受到那種身體感:柔軟與暴力、縫合與破裂、性別與慾望、語言與身份,都在材料裡。對收藏家來說,Hlobo 的作品有一種很明確的力量,因為在這些雕塑物件的背後,藏有身體記憶與性別政治。
Billie Zangewa(花園展區)
Lehmann Maupin、Galerie Templon
Billie Zangewa 以絲綢拼貼聞名,她常描繪女性日常、家庭空間、親密關係與自我照顧。她的作品看起來溫柔、明亮,使得看這些作品實在令人賞先悅目。
然而 Zangewa 的重要之處在於,她把女性日常生活重新放到藝術觀看的中心。廚房、床、母職、家務、休息、親密時刻,這些常被認為「不夠宏大」的題材,在她的絲綢作品中變成具有尊嚴與光澤的場景。對收藏家來說,她的作品非常引人入勝,也很適合那些對女性藝術、纖維媒材與日常政治感興趣的人。
Dana Awartani(沙烏地阿拉伯館)
Lisson Gallery、Sfeir-Semler Gallery
Dana Awartani 的作品結合伊斯蘭幾何、建築記憶、手工技術、破壞與修復,超級詩意。從傳統工藝與幾何秩序出發,她思考文化遺產如何在戰爭、現代化與政治暴力中被破壞,也如何可能被重新修補。
她的作品有不容置疑的形式美、材料感與手工痕跡。透過那些優美的幾何圖案,Awartani 給我們的是一個修復的提案:當一個文化空間被摧毀之後,藝術能不能不只是保存記憶,也成為某種重新縫合的方法?對收藏家來說,她的作品提供了一種介於美、工藝、建築與歷史創傷之間的收藏方向。

這組藝術家,我推薦給誰?
這一類藝術家,我會推薦給希望在「學術背書、畫廊支撐、作品吸引力與市場穩定性」之間取得平衡的收藏家。
他們多半不是剛出道的新銳藝術家,而是已經在威尼斯雙年展、美術館展覽、重要機構或大型畫廊系統中累積紀錄。換句話說,他們的價值已經有展覽履歷、藝術史脈絡與畫廊資源作為支撐。
這不代表作品價格沒有波動,但相較於完全靠短期話題推動的藝術家,這一類藝術家的市場結構通常比較成形。價格可能不低,卻也不是毫無依據地被炒高;對想要進入當代藝術收藏、但又希望降低過度不確定性的藏家來說,是相對平衡的選擇。
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下一篇接著看:從威尼斯雙年展到 Art Basel(2/4)
第二種類型的藝術家,他們背後同樣有大型國際畫廊或成熟畫廊系統支撐,然而他們處理的是檔案、博物館制度、戰爭記憶、殖民創傷、機構批評等議題,適合那些感興趣收藏一套思想位置的收藏家。
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Viki Kuo 郭中荃
來自桃園︒自 2007 年起,先後於台北︑北京與上海的當代藝術畫廊與美術館工作,投入展覽策劃︑藝術家研究與藝術現場觀察︒2020 年起移居巴黎後,負責 Paris–Taipei Express 藝術課程策劃與講授,專注於以研究者視角與第一線的藝術現場經驗,帶領讀著/學員理解當代藝術的創作理念︑藝術史/文化背景與觀看方式︒郭中荃/Paris-Taipei Express 迄今已組織並開設超過60+場線上與現場(巴黎/台灣)講座與課程︒曾於巴黎 EAC 法國藝術文化管理學院(2024)︑IESA 巴黎高等文化藝術管理學院(2024–2026)︑OneArt Taipei 藝術博覽會(2024–2025),以及陸府生活美學基金會︑同學社等機構擔任藝術講師︒
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